Geometrizaciones

 

Venus de Wallendorf:

·         Autor:  anónimo

·         Fecha: 20.000 a.C

·         Caracteristicas: 11’1 cm de alto, 5,7 de ancho, 4,5 de espesor, 15 de circunferencia.

·         Museo: Pigorini de Roma

·         Descubierta en 1908

o   Estatuilla antropomorfa femenina, de composición simetrica, organico, de forma singular, curbilineo, con punto de interés central, con tendencia central.

Representa la importancia de la mujer en los rituales prehistóricos. Se resaltan los atributos femeninos, especialmente el pecho  y el vientre. Es una figura femenina que representa la fertilidad.

El yacimiento de Willendorf es en realidad un conjunto de siete ocupaciones del paleolítico superior, en un campo de loess del valle del Danubio. La estatuilla apareció en el asentamiento II, cuya estratigrafía se extinde desde una base auriñaciense, hasta el Pavloviense, se considera que data entnces de la fase Gravetiense.

 

Triada de Micerino:

• Tema: Micerino entre la Diosa Hathor y la divinidad del nomo de Cinópolis.
• Material: esquisto
• Altura: 92'5 cm.
• Categoría: Escultura egipcia.
• Ubicación: Museo Egipcio de El Cairo (Egipto).

o   Antigüedad Egipcia de composición simetrica, centrípeta, organica, con marco referencial, de forma compuesta, rectangular, con punto de interés central, dominante central, tendencia lateral.

La tríada de Micerino  está considerada uno de los más notables conjuntos escultóricos de la dinastía IV y del periodo menfita. Está datada a mediados del tercer milenio a. C. Corresponde al grupo formado por el faraón Micerino, la diosa Hathor y la divinidad del nomo de Cinópolis. Fue descubierta en 1910 por un equipo de arqueólogos del Museo de Bellas Artes de Boston, que estaba excavando el templo funerario de la pirámide de dicho faraón. Al lado derecho de Micerino se encuentra la diosa Hathor, con cuernos y el disco solar sobre su cabeza, y al lado izquierdo la del nomo de Cinópolis, portando su emblema.

 

Laocoonte:

·         Estructura oblicua, de bulto redondo

·         Realizada por Agesandro, Poliodoro, y Atenodoro

·         Hace 50 años d.C

·         Ubicación Museo de Pio- Clementino, Vaticano

o   Estatua de mármol, de composicon asimétrica, organico, de forma compuesta, de bordes irregulares, con punto de interés superior, con dominante inferior, y tendencia ascendente.

El conjunto escultórico del Laocoonte pertenece a la escuela de Rodas. La obra original era una fundición de bronce,la actual reconstrucción esta tallada en mármol. Mide 2 metros y 42 centímetros. La escultura representa el instante en que el sacerdote  y sus dos hijos son atacados por serpientes. Representa la impotencia y el dolor sobrehumano.
Tiene una estructura oblicua, de bulto redondo; desaparece la serenidad y el equilibrio clásicos. El periodo helenístico resalta por sus cuatro escuelas: la de Atenas, de la Alejandría, la de Rodas y la de Pérgamo. Las principales fuentes del helenismo fueron las ciudades y esta escuela surgió tras la muerte de Alejandro Magno.
Cuando la escultura se descubrió en 1506 le faltaba el brazo derecho, por lo que se hizo un nuevo brazo en posición extendida. Sin embargo, cuando en 1957 se descubrió el brazo original, estaba doblado, precisamente en la posición que Miguel Ángel había propuesto para la reconstrucción. La estatua fue adquirida para El Vaticano por el Papa Julio II.

 
Victoria de Samotracia:

·         Escultura en bulto redondo

·         Escuela de Rodia

·         Periodo Helenistico

·         Museo de Louvre, Paris

·         De mármol

·         Realizada en 190 a.C

·         Tiene 245 cm de altura

·         Descubierta en 1863 en la isla Samotracia

o   Escultura de mármol, asimétrica, organico, de forma singular, curbilineo, punto de interés superior, dominante superior, tendencia lateral.

La figura femenina de la Victoria con alas se posa sobre la proa de un navío, que actúa de pedestal de la figura femenina, cuyo cuerpo presenta una leve y graciosa torsión. Va envuelta en un fino chitón y un manto, ropajes que se adhieren al cuerpo dejando traslucir su anatomía, tratamiento éste que recuerda a la denominada técnica de «paños mojados» atribuida a las obras de Fidias. El manto forma un rollo sobre el muslo derecho para caer luego entre las piernas, dando lugar a una composición muy característica en otras figuras femeninas de la misma época.Las ropas agitadas por el viento configuran el dramatismo, esta vez gozoso, tan característico de la escuela escultórica rodia, una de las más barrocas del helenismo.

 

La loba Capitolina:

·         Figura de bronce

·         75 cm de altura, 114cm de ancho

·         De la edad media

·         Los dos niños (Romulo y Remo) se añadieron en el renacimiento

·         Museo del capitolio romano

o   Figura de bronce de composición simetrica, centrípeta, organico, de forma plural, contorno rectangular, dominante inferior, tendencia horizontal.

Fue diseñada a principios del siglo V a.C. En ella se representa al animal mas famoso de toda Roma , con ella se narra la leyenda mas famosa y conocida en el mundo entero sobre esa ciudad. En ella se narra que los hemanos  Romulo y Remo fueron encontrados y criados por una loba, la cual los amamanto y los cuido hasta que crecieron.

Lo que mas destaca de esta obra es su naturalismo y su abstracción. Cada cuerpo, tanto de los niños como el de la loba se encuentran muy estilizados pero las fosas nasales de la loba, dan la sensación de estar dilatadas, con grandes ojos abiertos y tres arrugas en la frente lo que da la sensación de realismo.

La loba llamada Luperca, inicialmente fue esculpida sola, los gemelos romulo y remo fueron añadidos en el renacimiento.

 

La apotesis de Claudio:

·         Estilo Romano- Imperial y Barroco

·         Material mármol

·         Técnica esculpido

·         Altura 245cm x 125cm x 125cm

·         Museo del Prado, Madrid

o   Escultura de mármol, de composición simetrica, organico, centrípeta, de forma plural, de contorno rectangular, con punto de interés central, dominante inferior, tendencia horizontal.

La denominación Apoteosis de Claudio dada a esta escultura se debe a una cabeza de dicho emperador, hoy perdida, que le fue añadida en el siglo XVII. En su actual estado, este grupo escultórico es producto de una reconstrucción del siglo XVII, poco anterior a su entrega como obsequio a Felipe IV de España.

La parte del águila y las armas pertenecen a una monumento funerario, hallado en la villa de campo de Marco Valerio Mesala Corvino, general y político romano. La escultura, en origen, era un trofeo o composición con armas, sobre las que se posaba el águila.

Ya en el siglo XVII, la escultura fue dotada de un gran pedestal de gusto antiguo y gran calidad, pero no antiguo, y sobre el águila se adosó un busto de Emperador Claudio. Con la suma de la efigie del emperador, la escultura adoptó otro significado, como apoteosis del alma de Claudio elevada a los cielos por el águila. A ello se debe su denominación más popular.

En el año 1664, el cardenal Colonna regaló la obra a Felipe IV. Durante el incendio del Alcázar de Madrid (1734) la escultura sufrió daños y perdió la cabeza del emperador, que sería reemplazada por otra de calidad más discreta. Subsisten al menos dos grabados anteriores al desperfecto que permiten intuir cómo era.

En fecha más reciente, dicha cabeza fue retirada y el grupo escultórico fue restaurado en su totalidad. Tras permanecer en una sala secundaria del ala sur del Prado, en 2010 la obra fue reubicada en la rotonda baja del ala norte, cerca de las nuevas salas de pintura española medieval y del Renacimiento.

 

Pantocrator de la iglesia Santa Sofia:

·         Mozaico Bizantino

·         Siglo XIII

·         Conservado en la iglesia Santa Sofia de Estambul

o   Mozaico de composición simetrica, organico, con marco referencial, de forma singular, cuadrado, con punto de interés central superior,  dominante inferior, tendencia lateral.

En la parte sur de la galería alta de Santa Sofía de Constatinopla encontramos una Deesis en mosaico, considerada una de las obras maestras del arte bizantino. La figura de Cristo bendiciendo destaca por la espiritualidad de su expresión y el refinado modelo, empleando el autor un matizado colorido.
Teotokos entre Juan II y la emperatriz Irene y Cristo recibe presentes del emperador Constantino Monómaco y su esposa también forman parte de la decoración de mosaicos de Santa Sofía.

 

El dormitorio de Van Gogh:

·         Autor Vincent Van Gogh

·         Fecha 1888

·         Museo Nacional Van Gogh

·         Caracteristicas 72 x 90 cm

·         Material oleo sobre lienzo

·         Estilo Neo-Impresionismo

o   Oleo, de composición asimétrica, geométrica, con marco referencial, forma plural, cuadrado, dominante superior, tendencia disgregante, lateral.

El cuadro representa el dormitorio de Van Gogh en el número 2 de la Place Lamartine en Arlés, Bocas del Ródano, Francia, conocida como su Casa Amarilla. Era la primera habitación propia que tenía Van Gogh. En ella estuvo en 1888-1889. Lo pintó antes de la llegada a Arlés de Paul Gaugin, amigo del artista: el encuentro habría hecho nacer luego un círculo artístico.
La puerta a la derecha se abría a la planta superior y la escalera, la puerta de la izquierda servía para la habitación de invitados que preparó para Gauguin. Sobre la pared del frente se abre una ventana, por encima de una mesita, ligeramente descentrada. Esta ventana daba a la Place Lamartine y sus jardines públicos. Pero el panorama más allá de la ventana no puede verse
La habitación no era rectangular sino trapezoidal, con un ángulo obtuso en la esquina izquierda de la pared frontal y un ángulo agudo en la derecha. Van Gogh evidentemente no dedicó mucho tiempo a este problema, simplemente indicó que allí, de alguna manera, había una esquina.
Es un alojamiento modesto, con poco mobiliario, hecho de madera de pino: una cama a la derecha, un perchero, dos sillas, una mesilla de madera en el ángulo y cuadros en las paredes.
Una fuerte perspectiva, con la típica leve torsión, propia del autor, refleja sus ideas sobre la pintura

 

Alfons Mucha, El exceso en la bohemia:

o   De composición simetrica, centrípeta, organico, con marco referencial, de forma singular, cuadrado, con punto de interés central, dominate central, tendencia central.

En 1887 llagaba a Paris para estudiar arte procedente de Viena un joven artista checoslovaco. La esfervescencia artística parisina y una diva de la escena cambiarían su vida y obra formando a un artista singular. Su nombre era Alfons Maria Mucha. Las artes en el mundo sufrían una revolución cuyo epicentro era el corazón de Francia y el siglo XIX daba sus últimos coletazos. Mucha desarrolló un estilo personal el cual extrañamente ligó a la publicidad y el cartelismo. Y es que en esos tiempos de bohemia monetizar tu arte no era lo correcto y salvo los carteles de Toulouse-Lautrec no hay casosde artistas tan volcados en los comienzos del diseño publicitario.
Pero el personal estilo de Mucha se difundió por todo París gracias a la más grande diva de la escena. Sarah Bernhardt. Mucha realizó un cartel de la actriz y el estilo de lujo extremo y preciosita de Mucha era el idoneo para Bernhardt. La actriz quedó tan encantada con la imagen que el pintor checoslovaco transmitía de ella en su obra que lo contrato en exclusividad durante 6 años. Y la espectacularidad de los carteles de Mucha hicieron traspasar las fronteras la fama de Sara Bernhardt haciéndola el símbolo de la genialidad y creando la primera gran superestrella de la escena.
La obra de Mucha ha envejecido muy bien convirtiendose en ícono del modernismo. Su estilo es copiado y revisitado tanto en la psicodelia de los sesenta y en la neopsicodelia actual o en el mundo de la moda. Su estilo de figuras femeninas como epicentros de una atención desmesurada de lujo extremo y recargados ornamentos y fondos. Mucha también puede ser considerado el pionero del diseño artistico publicitario, y aunque una parte extensa de su obra se desarrolla en carteles y anuncios su obra también posee obras más personales que desarrolló al final de su carrera.

 

El matrimonio de los Arnoldfini:

·         Pintura sobre tabla de roble 82x60cm

·         Oleo

·         Retrato de Giovanni Arnoldfini y su esposa

·         Autor, Jan Van Eyck (1390-1441)

·         Fecha, 1434

·         National Gallery, Londres

o   Oleo, de composición simetrica, organico, centrípeta, con marco referencial, de forma compuesta, rectangular, con punto de interés superior, dominante superior, tendencia lateral.

El famosos cuadro de los Arnolfini nos presenta a la pareja en el momento de contraer matromonio. Ambos personajes, retratados en primer plano, se sitúan en una estancia con suelo de madera, e iluminada por una ventana que se abre a la izquierda. A los pies de la pareja aparece un perro y, en un segundo plano pueden observarse la esquina de una alfombra y el dosel de una cama. En el centro de la composición figura una lámpara que cuelga del techo y, en la pared del fondo, un espejo en el que se refleja todo el contenido de la habitación. A su izquierda cuelgan unos rosarios y, sobre el marco, encontramos una inscripción en latín.

Giovanni Arnolfini aparece retratado en actitud seria, ricamente ataviado en color oscuro, con capa y amplio sombrero. Su mano derecha, levantada, parece jurar o bendecir, mientras la izquierda sostiene la de su esposa Giovanna, también ricamente vestida en color verde vivo, con velo blanco. Su abultado vientre, sobre el que apoya su otra mano, parece manifestar con claridad que se encuentra embarazada.

 

La lechera:

·         Autor Johannes Vermeer

·         Oleo sobre tela

·         1658-1660

·         Rijsmuseum, Amsterdam

o   Oleo, de composición asimétrica, organico, con marco referencial, de forma singular, rectangular, punto de interés central, dominante inferior, tendencia lateral.

Esta obra es de las pocas veces donde se ve a una criada sola, sin su ama. Normalmente, en la época, se solían representar las criadas como holgazanas, durmiendo o escapándose de sus tareas, pero aquí vemos como la chica está concentrada plenamente en la labor que realiza. La leche cae suavemente, sin prisa, ella tiene cuidado de no verter ni una gota y sostiene con ambas manos la jarra. En la mesa hay diversos panes y elementos de la cocina y la estancia donde está el personaje es sobria y humilde, decorada solamente por los azulejos azules del suelo. La ventana de la izquierda, que suele aparecer siempre en ese lugar en las obras de Vermeer, ilumina toda la estancia y hace brillar el pan, la leche, la pared y la cara de la muchacha.

En Vermeer es muy importante la composición, la luz y el color. Aquí se puede trazar una diagonal desde el extremo izquierda hasta el ángulo inferior derecha, con la chica en medio dividiendo la escena. En la parte izquierda es donde están todos los elementos de la obra: la ventana, los cestos, el pan, la jarra, la mesa…y donde se crea un claroscuro. En cambio, la zona de la derecha queda desnuda, ampliamente iluminada. Es aquí donde se ve el gran uso del color del artista, ya que si nos fijamos bien veremos que la pared que en principio nos parece blanca no es así, sino que hay una infinidad de matices de gris, azul y amarillo. Este último color suele aparecer en muchas obras de Vermeer, siempre en tonos vivos. Los toques de blanco dan mucha luminosidad y se ve el detallismo que el artista quería dar a cada obra.

 

El abrazo:

·         Autor Gustav Klimt

·         Oleo sobre lienzo

·         1917

o   Oleo de composición asimétrica, organico, con marco referencial, forma compuesto, rectangular, punto de interés central superior, dominante inferior, tendencia lateral.

Son escasos los cuadros de Klimt en los que se alude a asuntos mitológicos. La Danae ha eclipsado a Leda al ser ésta destruida en el incendio del Castillo Immendorf en el mes de mayo de 1945, junto a los cuadros de las Facultades y los del Palacio Dumba. Este castillo fue utilizado para salvaguardar la integridad de buena parte de las obras que conservaba la Galería Moderna de Viena, ante la amenaza constante que suponían los bombardeos aliados. Sin embargo, ante la presión soviética en su avance hacia Berlín, las tropas de la SS decidieron quemar el continente y el contenido para evitar que los tesoros artísticos cayeran en manos enemigas. Por desgracia, sólo tenemos una fotografía de este lienzo, otro de los hitos en la evolución pictórica de Klimt.Leda era la hija de Testio, rey de Etolia. Casó con Tindáreo y tuvo varios hijos pero su belleza cautivó a Zeus. El padre de los dioses no dudó en transformarse en cisne para poder gozar del amor de Leda, naciendo de este enlace un huevo de donde salieron Polux y Clitemestra y Helena y Castor.Klimt ha anulado el mito casi por completo y nos presenta a Leda desnuda, dando la espalda a Zeus, del que sólo podemos observar la cabeza y el cuello del cisne. Las formas contorneadas y los elementos curvilíneos se adueñan de la composición, contribuyendo así a aumentar la carga erótica del asunto, "llevando hasta el límite la reducción de la mujer a la sexualidad" .Mattenklott considera que "las ropas levantadas, recogidas o vueltas hacia el lado convierten a las figuras de Klimt en cuerpos desnudos; el estudio del desnudo se transforma así en una imagen erótica. Cuadros del deseo que se anhela o se recibe. La desnudez se presenta entre ornamentos textiles, las telas no cubren sino que enmarcan y presentan al objeto del deseo: los pechos de las amigas, las caderas curvadas de una muchacha, el sexo entreabierto de una mujer; no visten sino que desvelan".El decorativismo no desaparece de esta erótica escena como podemos intuir en las telas que rodean al sensual cuerpo de Leda, similares a las que aparecen en El bebé o La novia. Con buen criterio, Jean-Michel Palmier opina que "la sensualidad y lo erótico están presentes por doquier; pero aquellas mujeres semidesnudas, aquellos cuerpos dormidos, habían sido aceptados por la burguesía y la aristocracia vienesa. Klimt reprime los prejuicios morales mediante el lujo y el adorno. La impresión de una belleza exuberante y una riqueza ilimitada caracterizan los cuadros de Klimt: el abrazo de dos cuerpos desnudos sobre un fondo color oro viejo y azul, o los vestidos de las mujeres se mezclan con las flores multicolores del prado. Ello permite olvidar el desnudo convertido así en un elemento decorativo más de este suntuoso conjunto".

 

El grito:

·         Autor Edvard Munch

·         Fecha 1893

·         Museo National Gallery (Oslo)

·         Caracteristicas 91 x 73,5 cm

·         Material  pastel

o   Pastel, de composición simetrica, centrípeta, organica, con marco referencial, forma plural, punto de interés central inferior, dominante inferior,  y tendencia descendente.

Este cuadro resulta el gesto más expresivo del arte contemporáneo para significar el gran desaliento que el hombre moderno sentía ante el fin de siglo y la transición al siglo XX. Munch nos habla de sus sentimientos cuando pintó esta obra: "Estaba allí, temblando de miedo. Y sentí un grito fuerte e infinito perforando la naturaleza". Estas frases tremendas nos hablan de una hipersensibilidad del autor que con la realización de este cuadro se convierte en altavoz de la angustia existencial que caracteriza el pensamiento contemporáneo en alguna de sus facetas. La situación personal de Munch está íntimamente relacionada con esta obra: de personalidad depresiva y traumatizado por su relación con las mujeres, a quienes odia fervorosamente y se ocupa de retratar lo más tétricamente posible, en el momento de pintar este cuadro acababa de sufrir el fallecimiento de su madre. Esto le marcó terriblemente y es uno de los condicionantes que le impulsaron a emitir este grito visceral. El simbolismo de la imagen es patente en el rostro agitado del protagonista en primer plano, que es casi una calavera que se aprieta el cráneo con las manos para que no le estalle. El empleo de los colores, violentos, arqueados en agresivas bandas de color, es puramente simbólico y trata de transmitir al espectador el agitado estado de ánimo del autor. Esta sensación se refuerza con la presencia de dos testigos mudos, lejanos, anónimos, dos figuras negras que se recortan al fondo de una violentísima perspectiva diagonal que agrede la visión de quien la contempla. Las formas se retuercen y los colores son completamente arbitrarios, tan sólo intentan expresar el sentimiento del autor y no una verdad racional. Este rasgo es lo que incluye a Munch en la senda de otros pintores de simbolismo visionario y expresivo en una tendencia intemporal denominada Expresionismo.

 

Guernica:

·         Autor Pablo Picasso

·         1937

o   Pintura de composición asimétrica, geométrica, con marco referencial, de forma compuesta, rectangular, con punto de interés lateral, dominante inferior, tendencia horizontal, disgregante.

Guernica es un famoso cuadro de Pablo Picasso, pintado en los meses de mayo y junio de 1937, cuyo título alude al bombardeo de Guernica, ocurrido el 26 de abril de dicho año, durante la Guerra Civil Española. Fue realizado por encargo del Gobierno de la República Española para ser expuesto en el pabellón español durante la Exposición Internacional de 1937 en París, con el fin de atraer la atención del público hacia la causa republicana en plena Guerra Civil Española.

En la década de 1940, puesto que en España se había instaurado el régimen dictatorial del general Franco, Picasso optó por dejar que el cuadro fuese custodiado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York, aunque expresó su voluntad de que fuera devuelto a España cuando volviese al país la democracia. En 1981 la obra llegó finalmente a España. Se expuso al público primero en el Casón del Buen Retiro, y luego, desde 1992, en el Museo Reina Sofía de Madrid, donde se encuentra en exhibición permanente.

Su interpretación es objeto de polémica, pero su valor artístico está fuera de discusión. No sólo es considerado una de las obras más importantes del arte del siglo XX, sino que se ha convertido en un auténtico "icono del siglo XX", símbolo de los terribles sufrimientos que la guerra infringe a los seres humanos.

 

El urinario:

·         Autor Marcel Duchamp

·         1917

o   Obra de composición simetrica, centrípeta, organico, de forma singular, curbilineo, con punto de interés central, dominate central, y tendencia central.

La obra de Duchamp causó conmoción en 1917, cuando la envió con el seudónimo de R. Mutt a una exhibición de artistas independientes de la galería Grand Central de Nueva York.

Casi 90 años después, sigue siendo algo polémica. "La elección de la Fuente de Duchamp como la obra de arte moderno más influyente, por encima de trabajos de Picasso y Matisse, es un poco sorprendente", dijo el experto de arte Simon Wilson.

"Sin embargo, la obra refleja la naturaleza dinámica del arte de hoy y la idea de que el proceso creativo que antecede a la obra es lo más importante", agregó Wilson.

Según él, "el trabajo mismo puede tomar cualquier forma y ser hecho de cualquier material".

 

Rothko:

o   Obra de composición simetrica, geométrica, con marco referencial, de forma singular, rectangular, dominante superior, con tendencia horizontal.

Marcus Rothkowitz (25 de septiembre, 1903 – 25 de febrero, 1970) fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos.

Rothko es el exponente más clásico de lo que llamamos "abstractos puros", haciendo clara distinción de lo que es un auténtico artista en solitario, dueño de voces interiores a qué responder. Sólo un maestro en su inimitable estilo deja huella a otro. Su influencia fue y es enorme; quedará como los grandes de este siglo. Su obra, puesta a prueba por el paso del tiempo, es de contextura insobornable por su pureza y racionalidad. El equilibrio entre lo estático y lo dinámico está introducido de tal modo en el cuadro que produce una total y única gravitación al unísono.

 

Frida Kahlo:

o   Obra de composición simetrica, triangular, centrípeta, organica, con marco referencial, de forma singular, cuadrado, con punto de interés central, con dominante inferior, y tendencia central.

Nace en Coyoacán, México en 1907 y muere en el año 1954. Pintora mexicana. Aunque se movió en el ambiente de los grandes muralistas mexicanos de su tiempo y compartió sus ideales, Frida Kahlo creó una pintura absolutamente personal, ingenua y profundamente metafórica al mismo tiempo, derivada de su exaltada sensibilidad y de varios acontecimientos que marcaron su vida.

Numero 4:

·         Autor Jackson Pollock

·         1949

·         66 x 71cm

o   Oleo, de composición simetrica, organica, con marco referencial, de forma cuadrado, y tendencia disgregante.

Paul Jackson Pollock  fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX.

Se caracteriza en su dimensión artística, entre otras cosas, por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces, y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos.